Dos viajes al pasado: 300, el nacimiento de un imperio y Las aventuras de Peabody y Sherman

por Jessica Tirado

300: rise of an empire – Imagen pública

Σ300: el nacimiento de un imperio

La película cuenta la historia de Temistokles, el guerrero griego que mató a Darío, rey de Persia, y desató la batalla para defender la libertad de Grecia. El nuevo rey de Persia no está solo, su comandante es una mujer griega llamada Artemisia, que tiene asuntos personales en contra de los griegos; violenta, brutal y despiadada, ella llevará el peso de toda la narración.

Saltando al director Noam Murro, del que no conozco ninguna producción importante e IMDb tampoco, aquí los importantes son los guionistas y no por que su trabajo sea muy bueno. Por un lado tenemos a Zack Snyder, de quien muchos recordarán Sucker Punch de 2011, donde desperdició un buen reparto y sobre todo una historia que parecía prometer mucho, con una narración lenta, aburrida y sin sentido.

Del segundo guionista al mando de esta historia tampoco tengo buenas referencias. Kurt Johnstan escribió en 2012 Act of valor, película con un alto grado de nacionalismo estadounidense que en su historia pobre, no quedaba justificado, y nada entrañable en esa película; algo se dijo de su formato de videojuego, pero al caso es mejor una consola a desperdiciar dinero y vida en el cine.

Las aventuras de Peabody y Sherman – Fotograma

ΣLas aventuras de Peabody y Sherman

Un perro súper genio que habla adopta a un niño humano al que enseña historia de la manera más divertida: viajando en el tiempo, directamente con los actores que fueron parte de ella. Sin embargo, Sherman empieza a ir a la escuela y ahí sus conocimientos poco comunes le hará ganar una enemiga. El Sr. Peabody tratará de remediar las diferencias provocadas por los niños pero todo terminará en una complicada confusión temporal.

Dirigida por Rob Minkoff, del que tal vez su producción más famosa sea Reino prohibido (2008), sabe aprovechar muy bien la narración de Craig Wrigth y nos regala imágenes activas, con tiempos suficientes y necesarios que hacen de Las aventuras de Peabody y Sherman una película con un buen ritmo para adultos y niños.

300: rise of an empire – Fotograma

¿Por qué hablar de películas tan diferentes en una sola reseña? Porque las películas fundamentalmente se alimentan de las problemáticas humanas, y de vez en cuando te encuentras con que tratan de lo mismo, incluso comparten planos y épocas. Algunos podrán decir que los efectos de 300 (2006) ya son clichés de las películas con peleas de la antigüedad pero para quien se anime a ver estas dos películas verán que sobrepasa la simple coincidencia de estar al mismo tiempo en cartelera:

1. Las mueres toman el mando de la narración

Mi abuelo, un machista que murió casi a los 100 años, cuando veía una película siempre decía: nada más aparecen las mujeres y echan a perder todo, y es que en las películas que él veía las mujeres provocaban la narración porque eran débiles y el héroe siempre tenía que salvarlas, pero qué pasa ahora, en ambas películas las mujeres son «cabronas», sí no hay otra palabra para describirlas, tienen iniciativa, son inteligentes, poderosas, un tanto manipuladoras y aparentemente indestructibles, pero aquí nace la pregunta ¿su debilidad al amor y al sentimentalismo se debe al ser escritas por hombres? Lo cierto es que pasan por enojo hacia el héroe masculino, a una batalla épica y finalmente a su sumisión, lo que definitivamente no parece ser un buen «nuevo» formato narrativo, que sigue bajo el yugo de los guionistas.

Relaciones paternas

2. La relación padre hijo

Aunque parece una cuestión más obvia en Las aventuras de Peabody y Sherman, 300: el nacimiento de un imperio también tiene lo suyo en varios niveles. Básicamente, ambas tienen el conflicto muy claro: el padre con poder de acción sobreprotege al hijo que ya esta en edad de explorar sus habilidades en el mundo, pero que se ve atado por las acciones del padre.

El padre pone al hijo en una situación cómoda, donde aprende todo y tiene su primer enfrentamiento con los peligros del mundo, entonces el hijo sale de la zona de confort y, desobedeciendo al padre, lucha en su propia batalla, el padre intenta protegerlo pero se da cuenta que su hijo ya está listo para el mundo y lo acoge como colega.

Artemisia y Penny

Para terminar, no puedo decir que ambas películas son recomendables porque mucho depende los gustos personales sobre la estética de las películas, pero creo que Sr. Peabody y Sherman es muchísimo más redonda y mejor narrada.

Por cierto, las dos enseñan una verdad universal: nunca, en ninguna época y bajo ninguna circunstancia, hagan enojar a una mujer, porque será una enemiga letal.

Lego: humor ácido sobre la vida moderna

Lego – Póster

por Jessica Tirado

La pelicula comienza por el gran problema, el Sr. Negocios roba una poderosa arma llamada Resistol, pero el anciano sabio Vitruvius, revela una profecía: existe en el mundo Lego un elegido capaz de encontrar la Pieza de resistencia, lo que preocupa al villano pero no lo detiene.

Por otro lado nos muestran la vida de Emmet, que es más común de lo común que puede ser la vida de un obrero constructor. Pero una noche ve a un intruso en la construcción y lo sigue, resulta ser una guapa señorita llamada Estilo Libre que anda en busca de la pieza de resistencia, misma que termina encontrando Emmet; eso lo convierte automáticamente en el elegido, y por tanto es atrapado por los villanos. Estilo Libre logra rescatarlo y llevarlo con Vitruvius y Batman, pero ¿cómo puede ser posible que un personaje tan común tenga la capacidad de ser realmente el elegido? Emmet tendrá que demostrar que aun siendo un hombre común puede tener cualidades que lo hacen especial.

Batman – Póster

Tal vez muchos no lo sepan pero Christopher Miller y Phil Lord, quienes están a la cabeza de esta producción, fueron directores de Lluvia de hamburgesas y 21 Jump Street, ambos tienen 39 años, por lo que es casi obvio que su humor negro es fresco y por ello, tal vez sin querer, nos regalan graciosísimas críticas sociales modernas en esta cinta.

Emmet – Fotograma

Aunque la mayoría de carteleras digan que es una película infantil, no lo crean, es más fácil que un adulto se divierta a un niño, y es que la vida cotidiana de Emmet se parece tanto al sueño de vida perfecta que nos venden todos los días en los medios de comunicación: Debes levantarte feliz, saludar al mundo con un gran “Buenos días”, los ejercicios matutinos para estar en línea, y que un dinosaurio te coma… no podemos negarlo todas estas actividades las tenemos como las grandes verdades de la persona perfecta, pero ¿qué tan real y feliz es una persona que para demostrar su felicidad tiene que pagar un café carísimo y de mala calidad?

No se pierdan Lego la película infantil para nuestro adulto interior.

Comedias románticas al 2×1: Don Jon y Her

Her/Don Jon

por Jessica Tirado

→Don Jon

La película cuenta la vida de Jon, un don Juan moderno, con una vida definida por sus noches de fiesta y conquista, su familia, sus pertenecías y, sobre todo, su gusto por la pornografía. Una de tantas noches conoce a Barbara, la mujer ideal, aunque para él, ella es una conquista más.

Tras un noviazgo tradicional de un mes en el que ella le hace cumplir con varios caprichos, por fin logra tener sexo con ella, pero no puede dejar de ver pornografía. Barbara, caprichosa y egoísta, no está dispuesta a perdonarle que él no pueda dejar su insano gusto y lo deja; entonces Jon conoce a Esther, una compañera de su clase nocturna de la universidad. Al principio su relación es pasivo-agresiva, pero esa mujer madura le enseñará a Jon muchas cosas sobre la vida, el amor y el sexo.

Don Jon – Fotograma

Escrita, dirigida y protagonizada por Joseph Gordon-Levitt (Looper, 2009), casos como este es muy difícil saber si es un buen o mal debut como director, pues es claro que no se puede estar frente y detrás de cámara sin descuidar uno de los dos; ya el tiempo nos dirá si vale la pena como director, mientras tanto su atrevido Don Jon deja satisfechos a todos los fans de Scarlett Johansson.

Her – Fotograma

→Her

En Los Angeles del futuro, donde las personas interactúan sólo por medio de dispositivos móviles, Theodore, un escritor de cartas de amor por encargo, después de la separación con su esposa vive en absoluta soledad, por lo que compra un sistema operativo inteligente llamado Samantha, que le permite compartir su monótona vida con “alguien”. Theodore no tarda nada en enamorarse de Samantha, pero con ello conoceremos las razones de su soledad y lo triste de su causa.

Her es el debut de Spike Jonze como guionista independiente; en esta película nos regala una tragedia moderna, llena de encanto pero también de contradicciones, como toda buena historia romántica. Aunque aún no se estrena en carteleras poblanas, se puede encontrar el guión en la red, y leerlo puede ser buena idea.

Don Jon – Fotograma

Estas dos películas son muy diferentes entre sí, sin embargo, ambas tienen un personaje que es una entidad de paso para los que le rodean: Esther, de Don Jon, y Theodore, de Her, son personajes imposibles. La primera es apenas un esbozo, sabemos que vive en depresión porque su esposo y su hijo murieron en un accidente, ella no busca el amor pero entiende perfectamente cómo opera una relación sentimental constructiva, sabe que en cuanto Jon aprenda todo lo que pueda de ella, va a dejarla y hacer su vida con alguien más; por otro lado, el trabajo de Theodore le exige tener una hipersensibilidad a las formas del amor, de sus clientes sólo conoce fotos y uno que otro correo electrónico, él se encarga de construir el amor para otros.

Her – Póster

Tal vez buscamos amar porque es el único sentimiento que no podemos explicar; mucho hay de estudios a nivel cerebral, psicológico y químico, pero al final amar es como lo plantean en Her, una locura socialmente aceptada; en realidad no es algo que el ser humano quiera entender, sólo queremos sentirlo, por eso Esther y Theodore son “anómalos”, seres imposibles que saben qué hacer, cómo hacerlo, qué decir, son tan perfectos y su amor tan puro que cualquiera que este con ellos, será capaz de sanar heridas pasadas y crecer como persona, pero una vez que el otro madure y haya aprendido todo lo que se puede aprender de una persona así, los dejarán.

Her – Fotograma

¿Existen estas “personas de paso”? Puede ser una exageración del cine, un deseo de quien escribe, tal vez son una negación personal, porque en el fondo nadie quiere que en la búsqueda del amor se termine siendo una Esther o un Theodore. Al final, la vida se trata de altas y bajas, pero estos personajes son constantes, tienen defectos pero su vida es perfecta, no cambia. Lo normal para una persona es sufrir por amor, toda clase de amor: la muerte de un ser querido, la despedida de un amigo, que te corran de un trabajo que amas, pelear con alguien importante de la vida, es parte de ser humano. Habrá personas que nos vean como uno de estos seres imposibles, que aprendan de nuestra forma de ver la vida, pero al final nosotros también seguiremos con nuestra vida buscando amar y ser amados.

Cuestión de tiempo: el hubiera y otros viajes en el tiempo

Cuestión de tiempo – Fotograma

por Jessica Tirado

Es de esperar que una historia sobre el tiempo empiece con la vida cotidiana de una familia inglesa aparentemente común: una madre, un tipo, una hermana, un padre y el narrador, el cual se entera de un secreto familiar que será el detonante de toda la película; los hombres de su familia pueden viajar en el tiempo aunque de forma bastante limitada, sólo a momentos que hayan tenido en su vida, y sólo al pasado. Tim tiene un único motivo para viajar en el tiempo: amor; al principio saltará en el tiempo para arreglar las cosas con las mujeres de su vida, pero conforme pasa la película irá encontrando otras razones: los amigos, sus padres, su hermana, alguien a quien admira, pero también descubrirá que no siempre es buena idea echar mano de su peculiar poder, pues lo verdaderamente importante simplemente sucede.

Con respecto al director, Richard Curtis, es verdad que ha dirigido y escrito varias de las comedias románticas inglesas más famosas de la actualidad, pero si le rascamos un poquito a sus datos, podemos ver que no es la primera vez que escribe sobre viajes en el tiempo; sin embargo, esta vez, aunque con cierto grado de carisma, lo hace de una manera sobria, elegante, que nos deja ver que es un hombre que ha sabido madurar como cineasta y como persona; todo un logro en la difícil profesión de vivir.

Cuestión de tiempo – Fotograma

Sobre el reparto, Domhnall Gleeson no se me hace el mejor actor del mundo, es conocido por ser uno de los Weasley (Harry Potter y las reliquias de la muerte, 2011), además, en su país seguro lo recuerdan más por su participación en uno de los capítulos de la controvertida serie Black Mirror (2013). No hay nada más que agregar del reparto, salvo que la gloriosa Rachel McAdams luce como toda una chica de los sueños de cualquiera, como siempre.

¿Qué es lo que nos hace desear tanto viajar en el tiempo? ¿Será que vivimos en un constante estado de arrepentimiento? Pensamos mucho en el hubiera, de hecho, tal vez sea el tiempo verbal que mejor sabemos conjugar y el que más usamos; en ese aspecto esta película es un tanto pretenciosa, ya que intenta decir de una manera muy sutil que vivamos nuestra vida al máximo, como si 123 minutos fueran a hacer un cambio verdadero y profundo en la vida de un ser humano, sin embargo no es del todo malo, pues muestra que hay varios hoyos negros que están frente a nosotros y que no estamos dispuestos a admitir que nuestras decisiones no siempre son el camino que queremos, pero sí la meta que buscamos. ¿Cuál es la razón que nos motivaría a viajar en el tiempo? Considero que el motivo que usan en Cuestión de tiempo es la universalmente correcta: a lo largo de nuestra vida nos movemos por diferentes cosas, pero al final el sentimiento constante es el amor, independientemente que algunos (la mayoría) sólo puedan pensar en el amor de pareja, pese a que existen muchísimas facetas y niveles de él; esta película trata sobre la vida y su sentido unilateral.

Cuestión de tiempo – Fotograma

Es una lástima que en Puebla no podamos verla en todos los cines en varios horarios, pero si tienen oportunidad de mirarla no perderán su tiempo con ella, aparenta ser una comedia romántica típica pero a veces las apariencias engañan.

Yo, Frankestein: otra forma de ver al monstruo

Yo, Frankenstein – Póster

por Jessica Tirado

La criatura empieza contándonos su conocida historia en voz off, hasta la muerte de su creador Víctor Frankenstein. Lo realmente interesante comienza cuando un grupo de monstruos atacan al monstruo cuando éste intenta sepultar al científico; con un golpe de suerte se deshace de uno y los otros son destruidos por gárgolas que casualmente andaban por ahí. Las gárgolas llevan al monstruo con la reina Eleonor, su líder, porque al parecer esos demonios lo quieren para su Príncipe de las tinieblas. La reina de las gárgolas se da cuenta del potencial de Adam (como ella lo nombra) y lo deja libre, explicándole que ellos son seres de luz que defienden a los humanos y esos que lo atacaron son demonios que quieren la destrucción de la humanidad.

Doscientos años después, los demonios encuentran a Adam en medio de las montañas y no le queda más remedio que regresar al mundo humano para aclarar su situación en la guerra del bien y del mal. Mientras tanto sabemos la razón de los demonios para querer a la criatura; por años el Príncipe ha financiado una investigación científica para reanimar cuerpos, pues los demonios no pueden regresar de las tinieblas si no es en un cuerpo humano que no tenga alma.

Las cosas no salen como Adam las planeó y termina prisionero de las enojadas gárgolas y en la mira del Príncipe Naberius. La pelea entre unos y otros es épica; el escenario es una catedral y techos de casas, muertos de un bando y otro, efectos especiales y muchas gárgolas. Los demonios encuentran la forma de ganar la batalla y las gárgolas tienen que entregar el diario de Víctor Frankenstein. El único punto débil del ejercito de demonios es el factor humano, ellos en tantos años de existencia nunca se han preocupado por estudiar biología, física o química y le dejan la tarea a los humanos. La doctora en electro-fisiología, Terra, es la encargada de traducir el diario de Frankenstein y encontrar todas las respuestas que Adam ha estado buscando por años.

Yo, Frankenstein – Póster

El director es Stuart Beattie, el mismo de las películas de Piratas del Caribe (2003-2007), por lo que repite bastante de su estética oscura pero no tanto como para no dejar ver nada y tiene buena dosis de acción que equilibra a la perfección entre tanta explicación. El reparto está encabezado por Aaron Eckhart, no sé si a alguien se le haga un hombre guapo, pero para este papel queda perfecto: su rostro es tosco y la mayor parte del tiempo, al ser tan poco expresivo, parece que realmente solo es un rostro-mascara. Completan el reparto Bill Nighy y Miranda Otto, dos extranjeros que, seamos sinceros, no necesitan dinero, así que les ha dado por aceptar cualquier papel en el que puedan divertirse sin esforzarse tanto.

Yo, Frankenstein – Fotograma

El universo de Yo, Frankenstein maneja la historia del científico como una realidad que con el tiempo se volvió mito, pero que jamás fue una obra literaria, lo que les permite introducir muchos elementos fantásticos que no salen de la coherencia del relato. Lo único malo es que la premisa de criaturas ocultas que viven en una catedral, que evitan que los demonios salgan de las profundidades y dominen la tierra, es la premisa más refrita de los últimos meses; tal vez si esta película se hubiera estrenado antes de Cazadores de Sombras (2013) no se sentiría tan calca una de otra, sin embargo Yo, Frankenstein es superior en casi todo; no hay que descartarla por su pobre planteamiento. Aunque tiene muchas situaciones absurdas y peca de inocente, la película entrega 90 minutos de entretenimiento sin descanso, lo cual se agradece, pues el trailer no nos vendió otra cosa.

Código Sombra: Nacionalismo y tedio

Código Sombra – Póster

por Jessica Tirado

El contexto que plantea Código Sombra es el de un Estados Unidos al que los atentados del 11 de septiembre aún le quitan el sueño, pues vive con eterno miedo de que alguien se atreva a cuestionar su soberanía mundial.

Dentro de este mundo, un hombre nacionalista (pero que se va a estudiar al extranjero) llamado Jack Ryan decide que su país lo necesita, deja la escuela y se enlista en el ejército; no pasa ni una sola misión, cuando su pelotón es atacado y aunque  se muestra como un héroe, queda con graves lesiones en la espalda.

Varios meses después, Jack Ryan se recupera y lo vuelven a reclutar, pero ahora como agente encubierto porque como soldado no pudo demostrar cuánto podía contribuir a su país; le piden que termine sus estudios y sea un listillo de la CIA.

Elipsis de 10 años (en los que el personaje se desarrolla como corredor de bolsa, hace amigos comunes, se compromete con una guapa y talentosa doctora, y tantas cosas que se pueden pasar por alto, porque esta es una película de acción).

Código Sombra – Fotograma

Un buen día, Jack Ryan descubre que una cuenta extranjera (Rusa) pretende aprovechar un desajuste económico y provocar una segunda gran depresión en su amadísimo Estado Unidos.

Entonces Jack Ryan debe viajar a Rusia para hacer una auditoría a la empresa sospechosa, pero el dueño está preparado para todo y logra zafarse de su atadura legal, por lo que Jack sólo podrá pensar en un plan que involucre la convivencia informal. Todo se le facilita, porque casualmente su insegura novia pide favores, se sube en un vuelo de súper velocidad y llega justo a tiempo para preguntarle si tiene una amante o su trabajo en Rusia es genuino. Jack le dice la verdad de su identidad y ella (como toda persona normal) se pone muy feliz porque no la engaña, hasta le ayuda en su misión secreta.

Mientras Cathy Muller, la prometida, seduce al terrorista en una cena donde casualmente se quedan solos, Jack y su equipo entran al edificio-fortaleza del enemigo y le roban toda la información.

Del otro lado del mundo, en E.E.U.U., el hijo del terrorista pretende explotar una bomba para crear caos y lograr que la bolsa caiga. Pero como si de cruzar la calle se tratara, Jack Ryan y los otros agentes de la CIA regresan a su país, detienen al terrorista y salvan al mundo (porque si ellos están a salvo, el mundo también lo estará).

FIN

Código Sombra – Fotograma

Dirigida por Kenneth Branagh (Thor, 2011), para algunos que no empaten el nombre con el rostro, nada menos que el profesor Gilderoy Lockhart de la saga de Harry Potter, por que sí, también es director de películas donde tiene algún personaje, el problema con este tipo de situaciones es que cuando el director tiene un personaje importante en la historia, ser el antagonista en este caso, tiende a descuidar uno y otro rol; en Código sombra esto es muy notorio, la dirección es torpe y en momentos parece muy tediosa para el espectador que está esperando acción y no sólo interminables explicaciones en diálogos larguísimos y complicados.

Solo queda decir una peculiaridad: en uno de los diálogos del personaje de Keira Knigthtley en la cena, cuando está platicando con el villano, dice que las novelas rusas le parecen muy románticas, por lo que algunos identificarán el guiño de Ana Karenina y soltarán una sonrisa.

Sí, así de cansada y aburrida es. Para los que no conocemos la franquicia y llegamos sólo por el trailer, la película queda debiendo mucho; seguramente a los fans les parecerá un poco tediosa pero pasable. La triste verdad es que verla buscando una película de acción es un desperdicio de tiempo.

El Juego de Ender: Una historia vieja

El Juego de Ender – Imagen pública

por Jessica Tirado

¡La tierra fue atacada por extraterrestres! Los humanos ganaron la batalla, pero la amenaza de guerra sigue ahí… bueno, allá en su planeta, lejos, pero existe y eso basta para que los militares no puedan dormir tranquilos; entonces empiezan a entrenar a niños, porque es mejor entrenar soldados desde pequeños.

Aquí empieza la historia de Ender, un chico al que tienen monitoreado desde su nacimiento; sus hermanos fueron parte del programa militar pero su temperamento, muy agresivo, en el caso de Peter su hermano mayor, y muy compasivo en el caso de Valentine, la hermana intermedia, les impidió ir a la escuela de Batalla y ser soldados de alto rango.

Ender es elegido por ser el punto intermedio entre estos polos opuestos, lo que lo hace un pequeño genio destinado a ser el mejor estratega en la historia de la humanidad. Para lograr que el chico tenga el temple necesario, el Coronel Graff, director de la Escuela de Batalla, idea el plan de llevarlo al límite de sus habilidades y su mente.

Primero provoca que no tenga aliados, que la soledad sea su primer filtro de carácter; Ender, como todo buen elegido no sólo encuentra un par de amigos, sino el respeto de todos sus compañeros. Entonces, el coronel Graff lo manda a otro equipo de chicos grandes, donde tiene que seguir las ordenes de un superior bastante trastornado, obsesionado con ejercer el poder, donde Ender encuentra a Petra una compañera de batalla, inteligente y audaz que le ayuda a superar la prueba del coronel.

Lo que sigue es ver cómo Ender se desarrolla siendo líder de un grupo de marginados que casualmente se enfrentaran al grupo de chicos mayores donde Ender fue a revolucionar el pensamiento.

Aunque Ender y su equipo funcionan, en realidad no están listos porque el líder está inseguro, ya que al enfrentarse a sus enemigos logra entenderlos tanto que cuando los vence, la derrota le afecta como propia. Ender tiene que aclarar su mente, y viaja a la tierra a visitar a Valentine, su hermana, la voz de su conciencia, ella lo alienta a ir a la gran prueba y por fin convertirse en el comandante que todos esperan.

Ender aplicará todo lo aprendido en la Escuela de Batalla para terminar con una “amenaza” que ha estado “preparándose” para “atacar” a los “pobres humanos”… porque sólo él tiene la habilidad de comprender tanto a su enemigo que lo siente parte de sí mismo.

El Juego de Ender – Imagen pública

Esta historia fue escrita por Orson Scott Card; todo inició como un cuento que se volvió la Saga de Ender entre 1985-2008, y si bien la historia no es lo suficientemente vieja para ser llamada un clásico, usa fórmulas narrativas que han sido muy explotados en las últimas dos décadas en el cine de acción, fantasía, y ciencia ficción que parece obsoleta cuando se enfrenta a las necesidades del espectador moderno. En los últimos años es normal ver un trailer con grandes efectos especiales, con música que recuerda a El origen, y es que si ponemos un poco de atención en los carteles del cine, todos son casi lo mismo: además de la paleta de colores, la composición y el mensaje, son una calca unos de otros; con Ender pasa justo eso, el espectáculo visual aunque muy impresionante, simplemente se siente como el recordatorio de 30 años de evolución del cine de ciencia ficción. ¿Dónde está la falla? En ningún lado, Ender es una historia vieja.

El Juego de Ender – Imagen pública

La ciencia ficción se escribe para plantear problemas sociales, crítica política, o un llamado a reflexionar sobre nuestra situación económica y/o ecológica en el planeta, entre muchos otros temas, lo importante es hacer pensar al espectador (¿por qué creen que en México no florecen este tipo de historias?). El motor de Los juegos de Ender podría resumirse en: Poder, cómo el ser humano hace uso del poder, las consecuencias buenas o malas de su uso y la pregunta existencial de ¿por qué usarlo?; en principio es un tema que ha estado y estará presente por siempre en la humanidad, pero la película trata de explicar tantas situaciones complejas, relaciones entre personajes, comportamientos y demás, que la atención se desvía en cosas que en realidad no importan. La forma narrativa del libro nos permite conocer los pensamientos de Ender, esa es la guía de empatía para el lector, todos los sentimientos fluyen porque el personaje expresa su miedo, coraje o valor pero ¿qué pasa cuando una novela casi en su totalidad subjetiva se quiere pasar a un formato completamente objetivo? El cine es esencialmente imagen, si no se ve en pantalla es como si no existiera, de ahí el segundo en grado de importancia es el sonido, tal vez no vemos al dinosaurio pero si lo escuchamos sabemos que está ahí y por último el último recurso: el dialogo, la voz humano explicando aquello que no puede ni verse ni oírse. Una regla básica de la adaptación es que no pueden usarse oraciones tales como:

ENDER esta deshecho

porque simplemente no puede ser actuado de forma objetiva, por otra parte si el guión dice:

ENDER camina pesadamente por un pasillo de escuela vacio, respira con espasmos para contener el llanto

no sólo dice que algo le pasa al personaje, sino que lo pone en un contexto visual claro para el director, el fotógrafo, el maquillista y sobre todo para el actor, por lo tanto, para adaptar no solo se necesita haber leído la novela (unas mil veces), es indispensable entender qué quiere decir el texto, sólo así puede determinarse si es posible poner esa información (mensaje) en una fórmula narrativa de 2 horas o mejor que sea una serie de tv, con más tiempo para desarrollar todos y cada uno de los personajes, o tal vez sea mejor adaptarla a videojuego o novela gráfica, o como el caso de la saga de Ender, funciona bien quedándose como novela.

La verdad es que hay tan pocas buenas historias en el cine moderno (o por lo menos bien escritas) que están apostándole más a lo que ya es seguro: los libros, pero si no saben entender a la literatura seguirán ofreciendo películas con efectos bonitos pero historias mal contadas.

Frozen: La apuesta de Disney por el cambio

Frozen – Imagen pública

por Jessica Tirado Camacho

Frozen: Una Aventura Congelada presenta la historia de dos hermanas princesas de algún país nórdico que llevan una relación de amistad muy buena; Elsa, la mayor, tiene el poder “mágico” de generar y controlar el hielo, mientras que la menor, Anna, alegre y traviesa, sabe cuán divertido puede ser tener una hermana así.

Sin embargo, un accidente hace que Elsa tenga que esconder sus crecientes poderes de su hermana y del mundo, convirtiéndose así en un secreto custodiado por los padres y sufrido por la niña, incapaz de controlar sus sentimientos y por ende su magia. Así, las puertas del palacio son cerradas, convirtiéndolo en una gran matrushka donde todos viven en un aislamiento personal que empeora cuando en los reyes mueren, ya que las niñas terminan de crecer completamente solas, hasta que sus obligaciones como herederas las obligan a salir al mundo. Entonces empezarán a mostrar todos sus deseos para finalmente demostrar de qué están hechas: Elsa vive con el eterno miedo de que su poder sea un peligro para su reino y Anna busca desesperadamente amar y ser amada.

El segundo acto comienza cuando las dos hermanas enfrentan sus miedos e ilusiones, así como el lado negativo del poder de Elsa es revelado, por lo que huye a la montaña donde cree que no va a dañar a nadie, sin darse cuenta que ha dejado a su reino hundido en un invierno para el que no estaba preparado. Ante esto, Anna se siente culpable, y decide que está obligada a buscar a su hermana y arreglar sus diferencias.

En el camino, Anna se encontrará con Kristoff, un vendedor de hielo que de seguir así el clima, perderá toda fuente de ingresos. Él es la voz de la razón en la película, puesto que la princesa está regida totalmente por el corazón y la intuición, era necesario tener un personaje secundario que mostrará el otro lado de la moneda: es feliz viviendo en soledad, su único compañero es un reno con el que puede “platicar” y compartir todas sus cosas, para equilibrar el relato.

Frozen – Imagen pública

De ahí en adelante, la soledad pasa de ser un valor negativo a uno aparentemente positivo; Elsa encuentra en ella la libertad y la aceptación de sí misma, lo que complica los planes de su hermana de regresarla al reino y vivir como una familia. Así, el arco dramático irá subiendo y bajando cada vez con más intensidad, regalándonos una excelente película.

En los tiempos modernos, las animaciones Disney ya no tienen la misma aceptación en una sociedad aburrida de princesas en aprietos y galantes príncipes dispuestos a pelear contra dragones para salvarlas; simplemente ese cliché ya fue, lo interesante es que en los últimos años hemos estado viendo cierta transformación gradual en las historias.

Tal vez las primeras luces de esta búsqueda las podemos encontrar en La sirenita (1989), cuando los movimientos feministas tuvieron eco en Disney, y Ariel, aunque aún sigue la premisa de querer casarse y vivir felices para siempre, no es una princesa pasiva, va en busca del príncipe, casualmente (al igual que Frozen con Reina de las nieves) esa película es adaptación de un relato de Hans Christian Andersen, y las coincidencias no terminan ahí: Chris Buck, uno de los directores de Frozen, fue parte del departamento de arte de La sirenita y de Pocahontas (1995), donde también fue guionista, en la cual Disney vuelve a presentar no sólo una princesa audaz, sino que es totalmente independiente. A pesar del éxito de estas cintas, el camino de las nuevas princesas Disney se olvidó hasta La princesa y el sapo (2009), en la que encontramos la primera protagonista de color que hondea con orgullo las virtudes de la mujer moderna. Después de esto nada sería igual, la antigua fórmula seguirá operando en las filas de Disney pero cada vez se nota más la búsqueda de lo nuevo, tal es el caso de Enredados (2010), que tiene elementos de ambas formas narrativas, además de pasar a segundo plano la historia romántica. Tal vez, tratando de seguir la nueva tendencia, junto con Pixar trajo la desastrosa Valiente (2012), la cual simplemente es incapaz de cuajar una historia coherente sin la zona de confort que representa tener una pareja romántica; sin embargo, ese mismo año llegó ¡Rompe, Ralph! (segunda mitad de 2012) y cambió todos los arquetipos/estereotipos y clichés (sí, son cosas diferentes) que se tenían de la historia Disney perfecta, eliminando por completo la historia romántica.

Ahora con Frozen, escrita y co-dirigida por Jennifer Lee, también guionista de ¡Rompe, Ralph!, encontramos una historia con elementos románticos en segundo plano, dejando toda la carga dramática al amor familiar, con lo que puede verse el progreso en el manejo de la nueva “fórmula” que se está cocinando en las películas Disney.

Cuando un guionista escribe una historia siempre piensa en un concepto que gobierna toda la narración, en este caso los dos grandes temas de Frozen son la soledad y el amor familiar; todos los personajes presentan un punto de vista diferente (regularmente opuestos entre sí) pero que se complementan como un todo.

La soledad no es la misma para Elsa, que se esconde por temor a dañar pero que al mismo tiempo descubre en ella la posibilidad de sentirse libre y la posibilidad de aceptarse así misma sin que los otros la juzguen (valor negativo que pasa a positivo), que para Anna, pues es más un castigo que no puede comprender y del que quiere salir sin reparar en los peligros que pueda traer el confiar en cualquier extraño (valor negativo que pasa a más negativo), y finalmente  para Kristoff, que como personaje secundario presenta la parte opuesta (valor positivo).

Frozen – Imagen pública

La primera parte puede resultar un poco pesada al espectador que no esté acostumbrado a la ópera, puesto que las canciones tienen mucha fuerza en la interpretación y al mismo tiempo la imagen está muy cargada de información, pero esto sólo es en el primer acto, después la narrativa empieza a hacerse más densa y los personajes dejan de cantar para actuar y hablar. Frozen es para aquellos que busquen una historia fresca y poco menos predecible que sus hermanas Disney.

Como dato extra, si bien está muy lejanamente basada en la narración que leemos en Reina de las Nieves de Hans Christian Andersen, la esencia principal fue conservada, lo que nos habla muy bien del análisis interpretativo Jennifer Lee, de la cual espero sigamos viendo trabajos nuevos.

Skyfall: regresando al origen dorado de 007

Skyfall – Imagen pública

por Jessica Tirado Camacho

La película más esperada de la temporada, y no es para menos, el agente secreto mas importante en la historia del cine está de regreso.

Tres aspectos que se deben puntualizar de Skyfall:

Los créditos iniciales: aunque excesivamente largos (tanto que parecen el videoclip de la canción de Adele) cumplen una función esencial, la secuencia no sólo da un recorrido por la película, sino que marca el tono que va a tener, una síntesis perfecta entre el diseño clásico y moderno, incluso en el manejo de los colores.

Skyfall – Imagen pública

Silva: el personaje de Javier Bardem, recuerda mucho a Max Zorin de la película de 1985 A view to kill, interpretado por Christopher Walken. y no sólo por el aspecto rubio, sino porque ambos son villanos dignos de enfrentar a 007; Zorin en su momento fue el experimento genético de los nazis, que aprovechándose de su súper inteligencia planea destruir Silicon Valley y hace que Bond tenga que usar todas sus habilidades para descubrir «el plan»; para su época, su relación con los rusos y sus conocimientos en informática lo hicieron el villano perfecto, para nuestros tiempos, cuando todo parece dicho, construir un antagonista debió ser mas difícil y la mejor manera fue crear una antítesis de todo lo que representa James Bond.

En más de una forma Bardem le da un carisma único a los rasgos de Silva: es un hombre peligroso, sin duda uno de los mejores antagonistas.

El argumento: Todo el guión crea la aventura en base a este contraste, el pasado que se enfrenta/une a lo actual. Como ya había dicho antes, los contrastes entre el pasado y el presente son muy marcados, mientras la tecnología avanza, en las películas (en general) se ha buscado que el diseño de producción sea lo más extraordinario y ostentoso posible, en Skyfall apuestan por lo clásico, desde los planos de las nuevas oficinas, pasando por el ya clásico Aston Martin DB5, gris plata, hasta el diseño de algunos personajes, y después de todo ¿qué es Inglaterra sino esa convergencia?

Skyfall – Imagen pública

No importa si son fans de la saga o no, disfrutarán una película entretenida e inteligente.

P.D. Por cierto a Christopher Walken lo veremos en la prometedora Seven Psychopaths.

Cloud Atlas, cine para iniciados

Cloud Atlas – Imagen pública

por Jessica Tirado Camacho

Mientras que en la literatura es muy evidente que no cualquiera puede enfrentarse a la novela de un escritor en específico, en el cine resulta bastante raro que esto llegue a pasar y es que la época de los grandes autores al estilo Fellini, Bergman, Kubrick o Tarkovsky ya fue, hoy en día lo que importa en la industria cinematográfica es el despliegue visual y las ganancias económicas, es por eso que siempre vemos las carteleras saturadas de historias olvidables, malas actuaciones y directores poco comprometidos, pero Cloud Atlas viene a recordarnos que un blockbuster no siempre es para todos.

Cloud Atlas – Imagen pública

¿Cloud Atlas tiene un público específico? Tal vez no, puesto que presenta lugares comunes del ser humano: la fe, el amor, el sufrimiento, la esperanza, la muerte, pero vivimos en una época en la que la gente que va al cine espera ver una historia poco compleja, en la que un protagonista se enfrenta a un antagonista durante 120 minutos y al final uno de los dos sale victorioso, sin trucos ni audacias, y ésta película requiere de un espectador “iniciado”, no sólo en el cine sino también en la literatura, lo que es una gran virtud que al mismo tiempo es un desacierto total. En Cloud Atlas todas sus dualidades presentan opuestos irreconciliables, por ejemplo, las historias son como un cubo de rubik sin resolver, el espectador sabe que todas son lineales y completas, pero sólo «el iniciado» acepta que se las cuenten como si los colores estuvieran mezclados, comparte las mismas preguntas que un espectador joven, ¿por qué pasa esto? ¿quién hace qué?, pero es paciente, espera a que el guionista, los directores y el editor, le den las respuestas a cuenta gotas, pone atención a los pequeños detalles, le da un voto de confianza aún cuando todo parece no tener pies ni cabeza y al final la considera una película maravillosa, mientras que el otro espectador se queda con la sensación de caos, él hubiera preferido que todo se contará en tres historias, sin tantos simbolismo difíciles de percibir y de entender, nunca pudo simpatizar con ninguno de los personajes, por lo tanto para él es una pésima película, las dos opiniones son opuestas pero verdaderas.

El reparto y el maquillaje también presentan esta dualidad opuesta, cada actor debe ser caracterizado para seis escenarios distintos, a veces cambiando de género, otras de raza, lo que es una idea estupenda puesto que el lema de la película es «todo esta conectado» y debe dar la sensación de que son las mismas personas en diferentes épocas, cambiando para bien o para mal el futuro de otras vidas con sus acciones, pero no siempre resulta victoriosa la transformación del actor y lo que debería ser un momento serio se vuelve cómico perdiendo la fuerza dramática.

Cloud Atlas – Imagen pública

Cloud Atlas es una película que logra exitosamente combinar todas las características de un blockbuster con las de una película de culto, pero irremediablemente está destinada al fracaso, pues no podrá evitar ser comparada con Matrix (por los hermanos Wachowski) y con la novela de la que es adaptación. Es tan compleja como puede serlo el comportamiento humano y necesita que sus espectadores tengan fe. ¿Qué clase de película está compuesta por frases que empiezan en el pasado y terminan en otro tiempo afectando a personajes diferentes? Todo en Cloud Atlas significa algo más de lo que se ve a simple vista, incluso la forma no lineal de lo que vemos en pantalla, que puede ser visto como un simple capricho narrativo, se convierte en la única forma en la que puede ser contada la película, porque emula a la forma caótica pero coherente en la que guardamos los recuerdos. Como he dicho antes, sólo el espectador acostumbrado a creer en las películas de autor, podrá verla sin sentirse defraudado.